décoration - design - mobilier - architecture - graphisme

Airberg, qui vient d’être présenté la semaine dernière à la 2013 Stockholm Furniture Fair, est l’un des premiers projet de Jean-Marie Massaud pour Offecct Lab, une initiative stratégique visant à développer de nouvelles solutions et de nouveaux produits. Inspirée de la forme des iceberg (d’où son nom), cette collection de sièges en feutre est destinée à prendre place dans un hôtel. Elle est composée de fauteuils et de canapés avec deux tons, blanc et gris. Explication de l’artiste : « Airberg est comme une boîte structurelle qui donne l’impression d’être remplie de vide, mais qui est en réalité remplie d’un rembourrage souple ». On apprécie particulièrement le design asymétrique de la collection, et la qualité de réalisation de la maison d’édition. Une grande réussite où l’élégance des formes ne cède rien à leur confort, avec en plus un matériau noble issu du recyclage.

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Alexander Lervik est un designer suédois qui travaillé depuis une quinzaine d’années en tant que designer produit. Son travail se caractérise par l’innovation, l’humour, la passion, l’indiscipline et l’intensité. De son studio de design à Södermalm (Stockholm), Alexander Lervik collabore avec certains des plus grands producteurs suédois et internationaux, parmi lesquels Designhouse Stockholm, Johanson Design, Skandiform, Zero, Saas Instruments en Finlande et Moroso en Italie. Le Suédois nous présente ici cette Spike Chair formée par des tiges en bois. L’idée de cette chaise lui est venu lors d’un voyage aux Philippines. Un jour, il pleuvait des cordes. Dans sa langue, on dit qu’il pleut des « barres d’escalier », et c’est exactement ce que c’était. Ces « cordes » de pluie ressemblaient, dit-il, à des traits obliques, et c’est ainsi qu’il vit tout à coup les contours de la Spike Chair en face de lui. La chaise est composée de 60 tiges plus ou moins longues de façon à épouser la courbure d’un corps. Il y a au total 30 tailles de tige différentes. Spike Chair est édité en édition limitée à dix exemplaires par l’intermédiaire de la Galerie Pascale.

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Les technologies d’impression en 3D sont utilisées depuis longtemps dans le monde de l’architecture, ce qui permet de représenter concrètement des formes toujours plus complexes et difficilement envisageables à réaliser. Mais jusqu’à présent ces technologies n’ont jamais été utilisées pour construire quelque chose de plus grand qu’un prototype ou une maquette. Mais ceci pourrait être en train de changer, depuis que l’architecte néerlandais Janjaap Ruijssenaars a dévoilé les dessins d’une construction destinée à être imprimée en 3D, une première mondiale. La maison prend la forme d’un ruban de Möbius, ce qui lui vaut le nom logique de Baptème de Maison sans fin (Endless House). Comme vous le savez, il s’agit d’un ruban continu qui, se repliant avec un demi-tour, ne possède ni intérieur ni extérieur. C’est cette maison qui va être construite, non pas pour être coulée dans un béton armé, mais pour être littéralement imprimée en 3D dans des couches de sable, à l’aide de l’imprimante D-Shape développée par ingénieur italien Enrico Dini. Cette imprimante d’un nouveau genre utilise le même principe de stéréolithographie que les petites imprimantes, mais à une échelle plus grande, en utilisant du sable mêlé à un agent de liaison chimique. Les sections seront imprimées comme des coquilles vides, qui seront ensuite remplis de béton renforcé de fibres pour plus de solidité. Le délai de construction de la maison est destiné à environ 18 mois, pour un coût estimé entre 4 et 5 millions d’euros. «En appuyant simplement sur la touche « Entrée » du clavier, affirme Dini, nous avons l’intention de donner à l’architecte la possibilité d’executer directement les bâtiments, sans intermédiaires susceptibles d’ajouter leur interprétation ou de faire des erreurs dans la réalisation ». C’est une sorte de rêve qui se réalise, mais un rêve dont on n’imagine pas encore toutes les conséquences.

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Weight est une collection de vases en béton et acier imaginée par le designer Decha Archjananun pour l’éditeur Spécimen. Les vases sont composés d’un fin tuteur en acier, qui maintient la fleur. La partie basse en béton lisse contient l’eau et stabilise l’ensemble. Entre les deux, le vide permet de dévoiler impudiquement la tige de la fleur, que tous les vases s’obstinent à cacher. Le résultat est subtil, et de loin on pourrait penser à une oeuvre inachevée, dont on aurait dessiné un contour en oubliant la matière. La famille «Weight» comprend quatre vases de formats différents. Disponibles en 4 couleurs (gris naturel, jaune, bleu provence, rouge Terracota). Les Vases Weight sont disponibles sur la boutique. Voir les vases Weight de Decha Archjananun sur la boutique.

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C’est l’une des belles trouvailles de ce début d’année. Ce Rocking Chair Calendar 2013 de Katsumi Tamura vient d’ailleurs de remporter le concours des A’ Design Awards & Competition 2013, destiné à récompenser les meilleurs projets en design de produit de par le monde, dans 80 catégories différentes. Je situerais le Rocking Chair Calendar 2013 de Katsumi Tamura quelque part entre le Le design conceptuel, le Le design néo-dada.

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Nico Yektai est né en 1969 lors d’un long séjour en Iran, la patrie de naissance de son père. Peu de temps après sa naissance, il est retourné chez lui à New York. Son père Manoucher Yektai est à la fois poète et peintre expressionniste abstrait reconnu, tandis que sa mère Niki Yektai est auteur et illustratrice de nombreux livres pour enfants. Pour Nico Yektai, tout a commencé lorsqu’il s’est inscrit en histoire de l’art au Hobart College, à New York. Il a compris qu’il s’agissait là d’une étape constructive dans son développement en tant qu’artiste. L’étudiant a ensuite parfait sa formation à la School Of American Craft au Rochester Institute of Technology de Rochester, toujours à New York. L’artiste livre ici un splendide travail d’ébénisterie sur cette étagère nommée Dovetail (Queue d’aronde). Un jeune artiste à suivre dont vous pouvez découvrir l’oeuvre sur son site (lien en fin de billet).

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Cofondateur de la maison d’édition Mostro Design avec Phoebe Chen, le designer taïwanais Charles Su nous présente un projet en solo partant du principe suivant : il n’est pas nécessaire de mettre la radio sur une table, elle peut être accrochée au mur. D’où l’idée de concevoir une structure en bois un peu à la manière d’une pendule. Radio Plus possède ainsi des formes élancées, mais néanmoins robustes. La radio est réalisée en contreplaqué.

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Jolanda van Goor est une jeune designer néerlandaise qui a étudié à l’Académie des Beaux-Arts d’Amsterdam puis à l’Académie Gerrit Rietveld. Après avoir obtenu son diplôme en 2010, elle a fondé son propre studio, le Studio Jolanda van Goor. La designer fabrique des produits fonctionnels avec une inspiration pure, simple et fraîche. «Mon objectif est de concevoir des produits fonctionnels qui rendent les gens heureux. » C’est pourquoi Jolanda crée des produits au design décontracté, en privilégiant les matériaux nobles et les couleurs vives. La collection Open Minded est l’une des créations les plus emblématiques de son style. C’est aussi une collection bien dans l’air du temps puisqu’elle joue sur la nouvelle tendance bi-matière. La collection Open Minded propose concrètement des tables multi-fonctions – tables basses, tables à café, guéridon ou tables de chevet – pouvant s’harmoniser quasiment avec n’importe quel style : contemporain, design, naturaliste ou fantaisie. Éditée par Leitmotiv, la collection est réalisée en MDF laqué avec un piètement en bois naturel. Qualité et fabrication européennes. La collection Open Minded est disponible sur la boutique. Voir la collection Open Minded de Jolanda van Goor sur la boutique.

New Approach Light est un luminaire très sculptural imaginé par le designer espagnol Jorge Penadés. Le designer a puisé son inspiration dans l’intersection des sommets, des arêtes et des surfaces planes. Explication de l’artiste : «Je comprends l’espace comme une entité en déplacement. Les lignes fusionnent pour créer des plans, les plans se rejoignent pour devenir des volumes, les volumes changent en fonction des angles». Une explication qui traduit bien la fascination de Jorge Penadés pour la géométrie spatiale, et notre rapport à la perception.

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L’étagère Parker est un très beau projet imaginé par le jeune designer français Paul Menand. Il s’agit d’une étagère en trois parties : c’est un simple rectangle accroché au mur grâce à deux «branches». Explication de l’artiste : « Le principe est simple, le système de fixation n’est plus caché mais au contraire traité comme intégré à de l’objet. En décollant l’étagère du mur, nous obtenons une impression de fragilité, l’objet est pourtant très solide, très stable, pouvant supporter jusqu’à 20 kilos sans problème.L’étagère vient s’affirmer dans l’espace, en se décalant de quelques centimètres du mur, pour présenter des objets qui viennent se ranger ou se poser, apportant à l’ensemble une attention particulière ». Un bel exercice entre design floral et design géométrique.

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Je suis heureux d’annoncer que les oeuvres du collectif eBoy sont désormais disponibles sur Orgone Design. Pour ceux qui ne le savent pas, eBoy est un collectif de graphistes fondé en 1997 à Berlin par Kai Vermehr, Steffen Sauerteig et Svend Smital. Leur idée était de partager leurs œuvres avec le monde entier en s’affranchissant du support papier. Précurseurs dans le domaine, ils ont commencé par distribuer des disquettes contenant leurs travaux avant de publier une galerie sur internet. Quelques années plus tard, les trois Berlinois sont devenus la référence pour tout ce qui touche de près ou de loin au pixel art et de grandes marques telles que Coca-Cola, Adidas, Honda ou MTV ont déjà fait appel à leurs services. Il faut savoir que les artistes peuvent mettre plusieurs mois pour composer un tableau, un travail de titan, pixel par pixel. Plus récemment, les maîtres incontestés du Pixel Art ont décidés de mettre à l’honneur 15 villes du monde entier. C’est une version matérielle de luxe que sort aujourd’hui l’Atelier Contemporain, à travers une série de tableaux laminés avec un film glossy. Ces tableaux sont disponibles sur la boutique. Découvrez Paris, Londres, Berlin, New York, Rio, Tokyo, Marseille, Venise, Los Angeles, Cologne, comme vous ne les avez jamais vu. Découvrez les tableaux d’eBoy sur la boutique.

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Inspirée du Puzzle de Haberdasher, inventé en 1903 par Henri Dudeney, Origami House est une maison fascinante qui peut changer son plan pour s’adapter à la lumière du soleil et plus généralement aux conditions saisonnières, météorologiques ou même astronomiques. Par exemple, pendant l’été, le plan peut se déployer de telle façon que la chambre à coucher soit orientée à l’est pour regarder le soleil se lever au réveil. Le plan peut ensuite pivoter de telle sorte que les résidents soient toujours face au soleil. Le principe du plan pivotant est ici poussé à l’extrême, à un niveau de sophistication rarement atteint pour une résidence particulière, pour permettre à la maison de s’adapter à la vie de ses habitants. Il faut absolument voir cette maison de déployer (video à la suite de ce billet), avec les parois extérieures qui se transforment en un instant en parois internes, promouvant les parois internes en verre en façade extérieur, et vice versa. Un véritable tour de force réalisé par le studio D*Haus. Pour couronner le tout, la maison produit et consomme sa propre électricité grâce à des panneaux solaires. Découverte de cette incroyable maison qui peut se métamorphoser en huit configurations différentes.

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SheLLf est une collection d’étagères conçue par Ka-Lai Chan. Auparavant éditée en édition limitée, la collection accède aujourd’hui à la production en série grâce à l’éditeur italien Kristalia. Les étagères SheLLf sont composées de compartiments rectangulaires de tailles différentes assemblés selon des angles différents. Le résultat est des plus réussi, avec à la clé un joli jeu de mot (Shell) : la jeune artiste designer s’est inspirée d’un animal sortant de sa coquille.

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Signe des temps, le développement durable est aujourd’hui convoité par les designers, et s’institutionnalise par le biais des écoles de design. L’école de design LISAA Nantes propose ainsi une formation sur le thème du « design global durable ». De quoi s’agit-il ? Tout simplement des métiers de demain : concepteur, Directeur de création, Directeur artistique, Chef de projet, design manager, Responsable bureau d’étude…, dans des domaines d’activités aussi variés que le design global (identité de marque et ses applications, packaging, identité visuelle, nouveaux medias), l’événementiel (scénographie événementielle, événements sportifs, design d’espaces éphémères…), ou encore la culture et le loisir (muséographie, design d’exposition, festivals, espaces de loisirs…). Cette formation, à finalité professionnelle, vise quatre objectifs principaux :

1. Approfondir les connaissances dans les domaines fondamentaux du design global et du développement durable,
2. Développer une approche transversale et interdisciplinaire,
3. Consolider des compétences pour assurer la gestion de projets créatifs,
4. Vivre une expérience européenne dans le cadre d’un projet professionnel.

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Bloated veut dire en anglais « ballonné ». On comprend pourquoi Damien Gernay a choisi cet adjectif pour qualifier cette belle bibliothèque. Avec cette nouvelle création, Damien Gernay poursuit sa recherche sur l’anarchie organique, ou comment la matière crée elle-même sa propre forme dans une structure prédéfinie. La bibliothèque Bloated est une mise en application de cette recherche avec du cuir. Le point de départ de cette pièce est l’image d’un ventre proéminent contraint par une ceinture, une forme ronde ligaturée, qui trouve naturellement sa place. C’est un dialogue entre une structure rigide est une peau souple. En gonflant le cuir se déforme naturellement, et vient se lover sur la structure, rendant chaque pièce unique. Finition: Frêne et cuir expansé. Dimensions: H: 175 cm – l: 85 cm – P: 45 cm. La bibliothèque Bloated est disponible à la Galerie Gosserez en édition limitée à 12 exemplaires + 1 prototype. Possibilité de choisir un autre cuir.

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Pit House est une somptueuse résidence conçue par Keisuke Maeda, un architecte japonais de 38 ans né à Hiroshima. Commandée par un client à Okayama, la résidence se compose d’une structure en acier d’une surface de 138 m2. Elle a été réalisée à flanc de colline, pour offrir aux habitants une vue panoramique à 360 ​​degrés sur la région environnante. L’intérieur est particulièrement grandiose avec un impressionnant puits de lumière irradiant de lumière une véritable petite arène intérieure (d’où son nom), enroulée en escargot du sous-sol à l’étage. Une belle réussite digne d’un petit observatoire spatial.

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Cette table basse Oléé est une table d’appoint imaginée par le designer Finn Stone (que nous retrouvons donc après sa nouvelle Ball Chair en simili cuir). On retrouve le style très rond du designer britannique avec toutefois ici une silhouette plus élancée. Grâce à son piètement, la table basse Olee peut s’utiliser aussi bien comme table d’appoint, table de nuit, bout de canapé, guéridon…, aussi bien en intérieur qu’en extérieur. Elle est réalisé en ABS recyclé recouvert d’une laque très résistante de Dupont. Dimensions : 40 x H 61 cm. La table basse Oléé est disponible sur Orgone Design. Voir les table basse Olee de Finn Stone.

Potato est une collection d’étagères du designer hollandais Floris Wubben en collaboration avec l’artiste Bauke Fokkema. La collection d’apparence très brute est réalisée en bois massif en sapin néerlandais. Le designer a imaginé sa collection Potato comme une vraie famille, avec le père, la mère, les 2 jumeaux et le petit dernier. Les membres de la famille Potato se présentent donc sous l’apparence de grosses tubercules de pomme de terre évidé en leur centre, avec des noeuds bien en vue, et transpercés de puissantes tiges en acier inoxydable en guise de pieds. Un très bel exercice de « design spontané », qui rappellera aussi la Potato Chair de Gert Eussen. Dimensions (lxLxH) : Father Potato : 70cm x 70cm x 170cm, Mother Potato: 90cm x 180cm x 140cm, Twin Potato: 70cm x 240cm x 110cm, Little Potato: 60cm x 110cm x 100cm.

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Ce nouveau projet partenarial VIA réunit trois partenaires : Joran Briand, designer, Corentin de Chatelperron, jeune ingénieur fondateur de « Gold of Bengal », et Frédéric Morand, fondateur de la marque Saintluc. Le tabouret Toul, mobilier en matériau composite à base de fibre de jute du Bangladesh, est la première pièce développée dans le cadre du programme « Gold of Bengal ». Gold of Bengal vise à développer au Bangladesh l’utilisation de ce nouvel éco-matériau, composite à base de fibre de jute aux caractéristiques mécaniques excellentes qui peut remplacer la fibre de verre dans de nombreuses applications. Moins coûteuse, plus écologique, sa production nécessite moins d’énergie. Il est dégradable et les résidus de résine peuvent être brûlés pour fournir de l’énergie. Afin de démontrer les qualités du matériau et de rassurer les investisseurs pour les encourager à soutenir ce projet, Corentin contacte son ami d’enfance, le designer Joran Briand. Leur objectif : réfléchir à des objets manifestes en fibre de jute. Le tabouret « Toul » est ainsi créé.

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Rain Shield (bouclier anti-pluie) est un concept très original imaginé par les étudiants Lin Min-Wei et Liu Li-Hsiang. Si original que les deux Taïwanais se sont vus décerner un prix Red Dot pour cette création. Et pour cause, il s’agit d’une refonte totale du concept de parapluie, d’une tentative pour résoudre certains désagréments des parapluies classiques. Ce parapluie d’un nouveau genre est un véritable bouclier enveloppant, une structure en 3D, qui présente l’intérêt de protéger contre les éclaboussures latérales (la voiture qui passe – ou pire l’autobus – alors que vous attendez pour traverser). Le bouclier est également dépourvu de cette maudite structure métallique en étoile qui, lorsqu’elle est cassée, menace d’embrocher les passants au moindre coup de vent. Enfin Rain Shield est aussi un coupe-vent qui résiste vraiment au vent (jusqu’à un certain point évidemment). Assurément la trouvaille de la semaine.

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